Zu sagen, Curtis Jones sei ein Landschaftsfotograf, wäre so, als würde man sagen, Gordon Ramsay koche gern. Curtis ist (anders als Ramsey) von Natur aus äußerst bescheiden und anspruchslos. Wenn Sie jedoch mit ihm sprechen, werden Sie feststellen, dass er viele großartige Gedanken zu seinem Handwerk hat.
Diese Aussage hat mich überhaupt erst zu Curtis‘ Arbeit hingezogen!
„Ich kämpfe oft mit meinem Platz in der Welt der Outdoor-Fotografie. Wenn es zu abstrakt ist, geht die Botschaft verloren, wenn es zu wörtlich ist, fühlt es sich weniger persönlich an. Ich denke, es ist für uns alle ein Balanceakt. Wir müssen auf der Gratwanderung zwischen der erwarteten Marke oder dem erwarteten Inhalt und der ständigen Weiterentwicklung sein. Insbesondere die Landschaftsfotografie ist ein Paradoxon. Landschaften (Berge, Ozeane, arktische Tundren) haben an sich keine „Gefühle“, sie erfordern die menschliche Erfahrung. Daher führe ich immer eine Diskussion mit mir selbst: Wie sieht ein Ort „wörtlich“ aus und wie sieht er für mich aus, mit all meinen Erfahrungen, Hoffnungen, Ängsten und Absichten. In gewisser Weise projizieren wir unsere Gedanken, Emotionen, Ängste, Hoffnungen usw. auf die physische Welt um uns herum.“
Weitere Arbeiten von Curtis finden Sie auf seiner Instagram Und Website !
Es ist so wichtig, die Balance zu finden, die Sie oben erwähnt haben. Ihre Aufnahmen sind voller Emotionen! Was soll jedes Foto ausdrücken, wenn Sie mit der Arbeit fertig sind? Wie viel davon kommt von der Nachbearbeitung und wie viel von der Bildkomposition?
Ich glaube, ich versuche immer, meine Erfahrungen in einem einzigen Bild oder einer Reihe von Bildern zusammenzufassen. Ich bin so dankbar dafür, wie gewaltig unsere natürliche Welt ist. Die Worte „episch“ oder „fantastisch“ können leicht zu Klischees werden – schnelle Anspielungen auf die Kraft und Schönheit der Welt um uns herum. Ich möchte, dass meine Bilder Resonanz haben. Im Idealfall möchte ich, dass meine Arbeit Demut und Respekt für einen Ort oder eine Umgebung vermittelt. Eine Wertschätzung für das, was mir das Gefühl gibt, am lebendigsten und menschlichsten zu sein. Mich unbedeutend zu fühlen, aber mit etwas Größerem als mir selbst verbunden zu sein, ist für mich wirklich befreiend. Ein Großteil dieser Energie, die ich zu vermitteln versuche, kommt davon, dass ich längere Zeit an diesen Orten verbringe. Ich habe das Gefühl, dass meine beste Arbeit entsteht, wenn ich einen Ort auf mich wirken lasse. Ich habe immer eine Voreingenommenheit oder Vision, wenn ich neue Szenen erkunde. Ich versuche, dieser Stimme ihren Moment zu geben und sie dann loszulassen. Im Feld ist das Komponieren ein langsamer und bewusster Prozess. Wie beim Songwriting finde ich oft zuerst meinen „Haken“. Das, was mich immer wieder zurückzieht. Wenn ich herausgefunden habe, was mich überzeugt, mache ich mich an die Arbeit und verfeinere den Rahmen. Ich arbeite in Richtung Minimalismus und schneide alles weg, was nicht notwendig ist.
Dieser Prozess ist immer mehr nur der Anfang. Mit der Zeit hat sich meine Einstellung vom Erfassen des Wörtlichen hin zum Vermitteln von Resonanz und Stimmung verschoben. Ich war schon immer ein Zeichner und halbherziger Maler. Ich liebe es, eine Szene nachträglich zu verbessern. Nicht weil ich das Gefühl habe, dass mein Rohbild nicht gut genug ist, sondern weil es sich notwendig anfühlt, meine Erfahrung zu reproduzieren. Meine Erfahrung ist nie wörtlich, wie könnte sie auch? Die Nachbearbeitung hilft mir, mein Foto näher an meine Wahrnehmung der Szene und an mein Gefühl heranzubringen. Und auch das ist eine gleitende Skala. Manchmal ist ein sehr sanfter Umgang erforderlich, manchmal stundenlange handwerkliche Arbeit.
Was ist etwas an Ihrer Arbeit, das den meisten Leuten beim bloßen Betrachten nicht auffällt? Ich nehme an, die meisten unserer Leser machen Porträts. Ich frage mich, ob es Gemeinsamkeiten zwischen Landschafts- und Porträtfotografie gibt. Wenn ja, welche sind das?
Ich denke, es gibt Gemeinsamkeiten. Zumindest könnte man sagen, dass das Wesentliche von Ort und Person erfasst wird.
In gewisser Weise können beide Motive flüchtig sein. Ein spontanes Porträt kann einen Moment oder das wahre Wesen einer Person perfekt einfangen. Ebenso kann ein flüchtiger Moment in der Natur, beispielsweise das Morgenlicht, das sich in einer Brandung am Meer spiegelt, mehr über einen Ort aussagen als eine ganze Woche, die man damit verbringt, darauf zu warten, dass die Sterne richtig stehen.
Als Schöpfer fließt etwas von uns selbst in jedes Foto ein. In dem Moment, in dem wir uns entscheiden, eine Person oder eine Landschaft, eigentlich jedes beliebige Motiv, zu fotografieren, verändern wir es.
Ehrlich gesagt habe ich meistens keine Ahnung, was die Leute über meine Arbeit denken. Ich schätze, etwas, das ich nicht bewerbe oder in die Bilder einbeziehe, ist eine detaillierte Hintergrundgeschichte. Fast alle meine Arbeiten haben ein Element von Selbstironie, Bedeutungslosigkeit und Humor. Mir gefällt, dass ich durch das Erstellen dieser Fotos das Leben an den Orten und mit den Menschen leben kann, die mir am wichtigsten sind.
Sie scheinen immer sehr im Moment präsent zu sein, wenn man bedenkt, wie sehr Sie versuchen, das Wesentliche Ihres Ortes einzufangen. Wann entscheiden Sie sich, die Kamera in die Hand zu nehmen und ein Foto zu machen, oder wann legen Sie sie weg und genießen den Moment?
Bei mir läuft es wie eine gleitende Skala. Manchmal gehe ich mit einer Agenda an einen Ort und lege dort, solange ich dort bin, richtig los. Das kommt allerdings weniger häufig vor, wenn ich hauptsächlich für mich selbst fotografiere. Im Idealfall würde ich einen Tag oder mehr, bevor ich wirklich produzieren muss, an einem Ort ankommen und mir Zeit nehmen, den Ort auf mich wirken zu lassen. Ich laufe nur mit meinem Telefon herum, mache schnelle Bildkompositionen und notiere mir die Position von Sonne oder Sternen oder einen interessanten Aufhänger, wenn das Licht besser ist. Ich skizziere Ideen, behalte grob Dinge im Auge, die ich noch einmal besuchen werde, aber hauptsächlich versuche ich, ein Gefühl für einen Ort zu bekommen. Das Fotografieren von wunderschönem Licht an epischen Orten geht mit einer gewissen Angst und einem gewissen Druck einher. Ich fange die Momente ein, die die Welt vor Neid schreien lassen, wenn sie durch die Social-Media-Feeds scrollt. Es ist immer ein Kampf, dieser Angst ihren Moment zu geben, sie anzuerkennen und dann weiterzumachen. Manchmal ist das so einfach, wie 10 Minuten lang wie ein Verrückter zu fotografieren und dann die Kamera wieder in die Tasche zu stecken. Manchmal lasse ich die Ausrüstung auch absichtlich liegen und gehe zu Fuß, bis ich keine Angst mehr habe, etwas zu verpassen, und stattdessen einfach nur noch total aufgeregt bin, zu fotografieren. Es ist ein schmaler Grat, aber ein wichtiger.
Ein sicheres Zeichen dafür, dass ich weiß, wann ich die Kamera weglegen sollte, ist, wenn ich ständig mit den Bedingungen kämpfe und die Ergebnisse immer schlechter werden. Ich habe schon vor langer Zeit entschieden, dass ich die Reise wahrscheinlich nicht genießen würde, wenn der einzige Zweck der Reise darin bestünde, ein atemberaubendes Bild zu machen.
Wie entscheiden Sie, an welchen Ort Sie als nächstes gehen? Oder entscheidet das der „Kunde“? Apropos, erstellen Sie die meisten Ihrer Arbeiten im Auftrag eines Kunden oder gehen Sie von sich aus?
Es war schon immer eine Mischung aus dem, was ich erkunden oder suchen wollte, und dem, wohin mich jemand schicken würde. Ich habe so viel Zeit in der Arktis verbracht und mir so ein Portfolio über abgelegene Wildnisgebiete aufgebaut, dass ich heute oft von Kunden dafür engagiert werde. Ich liebe es, an dieselben Orte zurückzukehren und Dinge tiefer oder anders wiederzuentdecken. Wenn ich zum Beispiel einen Workshop in Grönland oder der Mongolei gebe und im folgenden Jahr zurückkehre, versuche ich oft, ein bisschen Zeit für persönliche Abenteuer einzuplanen. So kann ich meinen Blick auf einen Ort immer weiter ausdehnen und potenziellen Kunden, die in Zukunft nach dieser Art von Arbeit suchen, möglicherweise mehr zu bieten haben. Ich führe auch eine Liste mit interessanten Orten, die ich gerne besuchen würde. Wenn ich einem Kunden eine Idee vorschlagen oder Geld für eine Geschichte auftreiben kann, nehme ich die finanzielle Hilfe an. Wenn ich wirklich motiviert bin oder das Projekt sehr persönlich ist oder sich noch nicht ganz in einem marktfähigen Stadium befindet, mache ich es oft allein.
Renée Robyn und ich haben in meiner Heimatprovinz Neufundland und Labrador in Kanada eine Fotoworkshop-Firma namens Newfound Shores gegründet. Ich habe den Großteil meines Lebens damit verbracht, diese Küsten und Küstenstädte zu erkunden. Unser Ziel ist es, authentische Neufundland-Erlebnisse an inspirierenden Fotostandorten zu bieten. Newfound Shores ist ein großartiges Beispiel dafür, wie ich über die Orte entscheide, die ich dokumentieren möchte, und der Kunde, in diesem Fall die Teilnehmer, entscheidet, ob dies ein Ort ist, an dem sie ebenfalls kreativ werden möchten.
Als Liebhaber aller Outdoor-Aktivitäten bleiben Sie auch online in Verbindung, um Ihre Arbeit mit dem Publikum zu teilen. Fällt es Ihnen schwer, die Online-Welt mit Ihrem Wunsch, so viel draußen zu sein, wie Sie es lieben, in Einklang zu bringen?
Mit der Balance kämpfe ich jede Woche. Es ist komisch, so einfach teilen zu können und gleichzeitig diese Leichtigkeit zu hassen. Rauszugehen ist nicht schwierig. Manche Reisen sind zwar ein großes Unterfangen, aber ich lebe auch nur zehn Minuten von einem der schönsten Ozeane der Welt entfernt. Mein Kampf besteht in dem Zwang, dem geistesabwesenden Bedürfnis, online einzuchecken, und dem selbsttäuschten Wettbewerb, immer größer und auffälliger zu sein. Ich glaube nicht, dass ich online übermäßig aktiv bin, aber manchmal kann es mich überwältigen. Wenn die Beziehung zur Arbeit giftig, egogetrieben oder von meinem Selbstwertgefühl bestimmt wird, weiß ich, dass es Zeit ist, einen Gang zurückzuschalten. Ich habe gelernt, dass ich die Inhalte, die ich teile, viel mehr genießen kann, wenn sie für mich positiv sind oder dabei helfen, echte Verbindungen zu anderen Menschen in diesen Bereichen aufzubauen. Wie bei allem ist es einfacher, die Balance zu wahren, wenn ich mir selbst und meinem Publikum gegenüber ehrlich bin und echte Absichten habe.
Verarbeitung und Farbe sind ein so wichtiger Teil, um diese Emotionen zu vermitteln. Ich war so begeistert, als Sie mir erzählten, wie sehr Ihnen Infinite Color bei Ihrer Arbeit gefallen hat. Wie hilft es Ihnen, Ihre Vision auf eine Weise zu verwirklichen, wie es Ihnen in der Vergangenheit nichts anderes ermöglicht hat?
Jahrelang habe ich die Farbtheorie als eine Art Fantasie in der Welt der Nachbearbeitung betrachtet. Sie verwirrt mich. Ich traue meinen Entscheidungen nicht und beschränke mich daher eher auf das absolute Minimum. Ich meine, ich kenne die Grundlagen. Ich verstehe den Farbkreis, glaube ich. Und ich bekomme Primärfarben – Ketchup, Senf und was ist ein blaues Gewürz? Ehrlich gesagt habe ich es immer eher nach Gehör gemacht, mich auf mein Bauchgefühl verlassen und versucht, bei meinem Bearbeitungsstil nah an der „Realität“ zu bleiben. Ich spiele mit der Lebendigkeit und Sättigung oder wärme die Dinge auf, indem ich „Mr. Yellow“ ein wenig nach rechts schiebe. Aber ein Teil von mir hat schon immer das Gefühl, dass Farbkorrektur für Landschafts- und Outdoor-Fotografen eine Art Tabuthema ist. Von außen betrachtet hatte ich das Gefühl, dass es in anderen Genres mehr Spielraum für kreative Farbverarbeitung gibt.
Die Wahrheit ist, ob es nun um Theorie, Grading oder das Drehen des Rades geht. Gute Farbverarbeitung erfordert Zielstrebigkeit und manchmal ist es schwer herauszufinden, wo man anfangen soll. Ich habe festgestellt, dass ein guter Ausgangspunkt zum Erkunden die Arbeiten anderer Leute, Kunstbücher und Filme sind, aber die große Veränderung in meinem Arbeitsablauf kam, nachdem ich Infinite Color kennengelernt hatte. IC ist intuitiv und macht süchtig. Meine Erfahrungen bisher waren großartig. Ich kann schnell eine ausgewogene, manchmal unerwartete Aufnahme erstellen. Ich habe jedoch festgestellt, dass die wahre Magie in der Möglichkeit liegt, die zufälligen Ebenenschritte zu öffnen und dort herumzuspielen. Ich konnte sehen, welche Auswirkungen die Änderung dieser Dinge auf verschiedene Bereiche meines Fotos hatte. In seiner einfachsten Form erzeugt das Bedienfeld kreative neue Optionen, die ich vorher vielleicht nicht in Betracht gezogen hätte. Ein ansprechender Ausgangspunkt. Wenn Sie sich entscheiden, selbst Hand anzulegen und die Haube zu öffnen, wird es zu einem leistungsstarken Werkzeug zum Verstehen und Verwenden von Farbe.
Nicht alle meine Arbeiten erfordern eine extrem kreative Farbkorrektur. Die meisten sehen mit minimaler Verbesserung, die das bereits Vorhandene ergänzt, wunderschön aus. Die Natur hat eine Art, ganz von selbst großartig auszusehen. Jedes Bild ist anders. So wie jeder von uns eine andere Vorstellung davon hat, wie wir eine Szene komponieren und beleuchten, haben wir ein großes Talent für einzigartige und sich ständig weiterentwickelnde Verarbeitungsoptionen. Egal, ob wir dieses Schwert mit harter Hand oder mit subtiler Hand führen, das Streben nach der Beherrschung der Grundlagen macht uns zu geschickteren Farb-Ninjas.
Einige meiner Arbeiten mit Infinite Color könnten als „nicht-traditionelle“ Bearbeitungen gelten, zumindest für mich. Die Endergebnisse sind für Marketing- oder Dokumentationszwecke vielleicht nicht geeignet, manchmal sind diese Aufnahmen nicht genau so, wie sie in Wirklichkeit aussahen. Aber etwas an der Bearbeitung bringt mehr das Gefühl zurück, wie der Ort war, als ich dort fotografierte. Ich finde, diese Aufnahmen vermitteln meine Erfahrung natürlicher – so, wie ich mich daran erinnere. Infinite Color hat mir geholfen, diese Tür zu öffnen.
--
Haben Sie das Panel schon ausprobiert? Wir würden gerne Ihre Kreationen sehen! Kontaktieren Sie uns auf Instagram @infinitecolorpanel oder in der Facebook-Gruppe Infinite Color Panel und zeigen Sie uns Ihre Arbeit.
Wenn Sie das Panel noch nicht ausprobiert haben, können Sie hier beginnen: www.infinitecolorpanel.com