Artikel geschrieben von Pratik Naik & Jonny Edward
Davids brillante Fotokunst erinnert uns an die großen Meister der Malerei. Elegant, klassisch und insgesamt stimmig. Er zeugt von großer Reife, sowohl in seinen Werken als auch in seiner Herangehensweise an den kreativen Prozess. Wir freuen uns, Ihnen dieses Creative Conversation präsentieren zu können, in dem wir den Mann und Künstler hinter der ständig wachsenden Sammlung einzigartiger, moderner Meisterwerke kennenlernen.
Nehmen Sie sich einen Moment Zeit und folgen Sie David auf Instagram . Um mehr von Davids spektakulärer Fotografie zu sehen oder mehr über seine Workshops zu erfahren, besuchen Sie seine website .
In Ihren Bildern steckt so viel Menschlichkeit. Wie erreichen Sie bei Ihren Motiven einen so entspannten Gefühlszustand? Ich kenne Sie persönlich und Sie haben eine äußerst warme und einladende Ausstrahlung. Glauben Sie, dass der Charakter einer Person eine wichtige Rolle bei den Emotionen spielt, die sie bei ihren Motiven hervorrufen kann?
Ja, ich denke, das stimmt. Es spielt keine Rolle, ob Sie ein erfahrenes Model, einen erfahrenen Darsteller oder jemanden fotografieren, der noch nie vor der Kamera stand: Jeder fühlt sich während des Shootings bis zu einem gewissen Grad verletzlich. Ich denke, es ist ziemlich normal, dass sich die Leute anfangs unsicher fühlen, und ein Teil meiner Arbeit besteht darin, ihnen zu helfen, sich wohl zu fühlen. Ich denke, ein großer Teil davon besteht einfach darin, natürlich und selbstbewusst zu sein und die Kontrolle über das Shooting zu übernehmen. Sobald die Leute sehen, dass das Shooting eine Richtung und einen Plan hat und effizient voranschreitet, fühlen sie sich wohler und die Dinge funktionieren im Allgemeinen gut. Ich fotografiere im Studio immer mit Kabel, was es mir ermöglicht, dem Kunden zu zeigen, wie die Dinge während der Sitzung voranschreiten. Kommunikation ist der Schlüssel: Selbst Leute, die oft fotografieren, möchten Feedback und die Bestätigung, dass alles gut läuft, also spreche ich mit den Leuten!
Ich liebe die elegante Schlichtheit Ihrer Arbeit. Obwohl Sie hauptsächlich nur mit dem Modell zu sehen sind, wirkt das Endprodukt so majestätisch. Überlegen Sie sich bestimmte Dinge, bevor Sie für jedes Shooting Hintergrund, Styling und Boden/Stuhl auswählen?
Die Inspiration für einen Großteil meiner Arbeit sind alte Porträtgemälde, sei es in Bezug auf die Posen, Möbel oder Farbschemata. Ich habe das Gefühl, dass die Bilder der alten Meister aus sehr guten Gründen erhalten geblieben und verehrt wurden, und ich kann das nutzen und kreativ sein! Wir stehen auf den Schultern von Giganten der Kunst- und Designgeschichte, und ich lerne gerne von den Meistern. Ich habe eine ziemlich gute Auswahl an Möbeln, fast alle aus Secondhand-Läden, und ich versuche, diese so gut wie möglich mit Garderobe, Styling usw. abzustimmen. Obwohl ich Shootings gerne mit einem guten Gesamtplan angehe, kann ich nicht alles selbst machen, also habe ich das Glück, mit vier Haar- und Make-up-Artisten zusammenzuarbeiten, die alle ein gutes Auge für Garderobe, Styling, Farbauswahl usw. haben. Im Laufe der Jahre habe ich einen ziemlich guten Vorrat an Hintergründen, Böden usw. angehäuft, sodass ein gewisses Maß an Flexibilität und Potenzial für viel Abwechslung besteht.
Wenn es ums Posieren geht, fällt es vielen Leuten schwer, die Hände anderer zu positionieren und zu lenken. Normalerweise ist das ein Hinweis darauf, wie wohl sich jemand fühlt, und hat großen Einfluss darauf, wie entspannt er wirkt. Geben Sie viele Anweisungen, wenn es darum geht, die Hände anderer zu positionieren, oder lassen Sie sie machen, was sie wollen?
Dies ist ein wirklich wichtiger Punkt, und Menschen kommunizieren jede Art von Unbehagen oder Verlegenheit definitiv durch ihre Hände! Ich fotografiere hauptsächlich professionelle Künstler (Sänger, Schauspieler, Models usw.), daher sind sie es im Allgemeinen gewohnt, an Hände zu denken und kennen ihre Winkel. Kunden, die es nicht gewohnt sind, viel fotografiert zu werden, brauchen Hilfe bei der Platzierung ihrer Hände. Ich halte alle Posing-Anweisungen einfach und versuche, mich bei den Händen auf Positionen zu beschränken, die Menschen natürlicherweise einnehmen würden (außerhalb einer Fotoshooting-Situation), und stelle sicher, dass sie keine „defensiven“ Handposen einnehmen.
Ihre Farbwahl am Set scheint sehr bewusst getroffen zu sein. Ist das bei der Nachbearbeitung genauso? Wissen Sie immer, wo Sie hinwollen? Wie treffen Sie Ihre Entscheidung?
Ja, die Farbschemata für meine Shootings sind fast das Erste, worüber ich nachdenke. Ich versuche, so viel Einfluss wie möglich auf die Auswahl der Garderobe zu haben (bei Kunden ist das nicht immer möglich, aber im Allgemeinen ist das kein Problem). Kunden haben oft eine Reihe von Auswahlmöglichkeiten, bei denen ich ihnen helfen kann, die Auswahl einzugrenzen, oder in einigen Fällen kaufen sie die Garderobe speziell für das Shooting, in welchem Fall sie noch mehr Freiheit haben. Meine Farbschemata basieren auf alten, bewährten Methoden: meist über einen Farbkreis aus Pappe (wie die, die man in der Schule bekommt). Am häufigsten verwende ich triadische Farbschemata, eine einzige dominante Farbe oder komplementäre Farbpaare. Ich berücksichtige auch gerne Stofftexturen. Wenn Sie ein Set fotografieren, das hauptsächlich aus einem einzigen dominanten Ton besteht, ist das Aufbrechen der Texturen ein wichtiger Weg, um ein „matschiges“ und undeutliches Aussehen zu vermeiden.
Aus welchen Gründen verwenden Sie als Teil unserer Community das Infinite Color Panel? Hat es etwas für Sie getan, was Sie nicht erwartet hätten, bevor Sie das Panel in Ihren Workflow integriert haben?
Ich bin geradezu besessen von Farbe und habe das Gefühl, dass sie das Potenzial hat, eine fast grenzenlose Bandbreite an Emotionen hervorzurufen! Bei der Farbkorrektur in all meinen Bildern beginne ich gerne mit einer breiten Farbpalette und entscheide, ob ich warme oder kühle Töne wähle – ich tendiere natürlich zu einer kühleren Palette, aber das ist nur eine persönliche Vorliebe. Mit Infinite Color kann ich die Korrektur wirklich verfeinern und für jedes Shooting einen einzigartigen Look erzeugen. Ich liebe die Tatsache, dass ich ICP-Ebenenstapel in der Photoshop-Bibliothek speichern kann: Das bedeutet, dass ich die „Stimmung“ eines Shootings später auf ein anderes übertragen kann. Ein Bereich, bei dem ich immer vorsichtig sein muss, ist die Farbsättigung: Wenn ich nicht aufpasse, neige ich manchmal dazu, zu übersättigen. Die „Harmonisieren“-Funktion von ICP ist eine sehr gute Möglichkeit, mich von meinen schlimmsten Sättigungsverbrechen abzubringen!
Was ist Ihre Lieblingsfunktion von Infinite Color?
Was ich daran erstaunlich finde, ist die Fähigkeit, Parameter in Photoshop zufällig zu verteilen und tatsächlich brauchbare Ergebnisse zu erzielen. Ich verwende es gerne, um meiner Arbeit den letzten Schliff zu geben. Ich habe festgestellt, dass ich, wenn ich nicht aufpasse, in „gewohnheitsmäßige“ Entscheidungen bei der Farbarbeit verfallen kann. Infinite Color hilft mir, dies zu vermeiden, indem es mir eine große Auswahl anderer Optionen bietet.
Haben Sie eine bevorzugte Einstellungsebene, die Sie häufig verwenden? Wenn ja, warum?
Bei Farbarbeiten nutze ich am häufigsten die Ebenen „Selektive Farbe“ und „Farbbalance“. „Selektive Farbe“ ist sehr wirkungsvoll bei der Arbeit mit Haut, daher füge ich Töne zu Rot und Gelb hinzu und entferne sie, um den gewünschten Hautton zu erhalten.
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Haben Sie das Panel schon ausprobiert? Wir würden gerne Ihre Kreationen sehen! Kontaktieren Sie uns auf Instagram @infinitecolorpanel oder in der Facebook-Gruppe Infinite Color Panel und zeigen Sie uns Ihre Arbeit.
Wenn Sie das Panel noch nicht ausprobiert haben, können Sie hier beginnen: www.infinitecolorpanel.com