Conversaciones sobre el color con Jai Mayhew

Fotógrafo de bellas artes y artista extraordinario, Jai Mayhew Jai se especializa en el campo del retrato y la moda. Su trabajo se mueve en la delgada línea entre lo moderno y lo clásico, inspirado en los grandes del Viejo Mundo, con influencias de revistas como Vogue y Vanity Fair. La conexión que Jai crea y fomenta con quienes se ponen frente a su lente es evidente de inmediato, en la emoción auténtica y la vulnerabilidad que es capaz de capturar y transmitir. En esta conversación sobre el color, tuvimos la oportunidad de charlar con Jai y aprender un poco más sobre su arte, su enfoque y su filosofía creativa.

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Tu fotografía tiene una estética clásica y atemporal que es única y reconocible. Cuéntanos un poco sobre tus influencias y tu trayectoria como artista, y cómo llegaste a tener tu estilo característico.

¡Gracias! Mi estética se basó completamente en las viejas películas de Hollywood, desde los misterios del cine negro hasta los musicales brillantes y coloridos. Crecí en Alemania en una base militar con una estación de televisión y una recepción inestable. Esto me llevó a alquilar muchas películas de nuestra pequeña biblioteca de la base. Crecí con los musicales de Fred y Ginger, Hello Dolly, Gentlemen Prefer Blondes y Singing in the Rain (el montaje de moda de "Beautiful Girl" es mi parte favorita absoluta). Cuando crecí un poco, descubrí clásicos como Casablanca, Laura y Rebecca. Esas películas se basaban en el estilo y la iluminación dramática y esta elegancia clásica y femenina y todo eso dejaron una impresión duradera. He tratado de ser más atrevida, de fotografiar con un estilo más duro, pero mi estética tiene una suavidad y una vez que estuve dispuesta a aceptar eso, mi trabajo realmente cambió. Siempre estoy aprendiendo y tratando de crecer, pero he llegado a apreciar lo que hace que mi ojo sea único y dejé de luchar contra mis instintos.

Nos queda claro que tienes una filosofía encomiable en lo que respecta a la conexión que intentas crear con las personas que fotografías. Si no te importa, cuéntanos qué significa para ti tener a alguien frente a tu lente.

Para mí, la fotografía es una responsabilidad que me empodera. Ya sea para un editorial de moda o para una sesión con un cliente, para mí es todo un grado de retrato: el arte de mostrar a una mujer hermosa de una manera hermosa. Me encanta lo que hago y que las mujeres confíen en mí lo suficiente como para ponerse delante de mi cámara. Pero también sé que un retrato es más que una foto, es una validación de lo mejor o lo peor que piensas de ti misma. Tomo esa responsabilidad en serio y me esfuerzo con pasión por mostrarles a las mujeres sus lados más hermosos y auténticos. Es un honor cada vez que puedo ser parte de eso.

Pasando al ámbito del tono y la tonalidad, ¿qué papel juega el color en el alcance de tu obra y qué importancia tiene el color en tu proceso creativo?

Doy todo el crédito a Bella y Pratik por introducirme en la gradación de color. Hace unos años, luchaba por llegar a ese "siguiente nivel" (una búsqueda continua), cuando comencé a experimentar con Fine Art Actions, me sorprendió el impacto que se podía agregar en la posproducción para realzar un tema o una emoción. La gradación de color se ha convertido cada vez más en una parte integral de mi trabajo, ya sea en naturalezas muertas o retratos. El hermoso enfoque de Kate Woodman sobre el color cambió mi forma de ver la rueda de colores (¿ahora estoy leyendo libros sobre teoría del color? Sí, lo estoy haciendo) y me encantan los archivos PSD de Bella que desglosan sus capas de edición. El color es un lenguaje y me encanta aprender a hablar con él.

¿Hay algún conjunto o combinación de colores en particular que te atrae al editar, o tu enfoque es singular y único para cada tema o proyecto?

Por lo general, me atraen los tonos y paletas más cálidos, aunque siempre hay excepciones. Una vez tuve el placer de escuchar a Lindsay Adler hablar y ella dio una sugerencia perspicaz para los fotógrafos que luchan por encontrar su estilo. Dijo que revisaran su portafolio, encontraran las 5 imágenes que más les gustaran y luego averiguaran qué tenían en común. En ese momento escuché esto, realmente estaba luchando por encontrar la coherencia. Sentía que cada sesión era diferente, pero no de una manera divertida, sino de una manera frustrante. Volví a casa, estudié mi portafolio de retratos y encontré las 5 imágenes que más me atraían. Eran sensuales, clásicas, femeninas y cálidas. Fue entonces cuando me di cuenta de que había encontrado mi estilo.

Tenemos curiosidad, ¿cómo ha influido el Panel de Color Infinito en la forma en que interactúas con el color y lo aplicas en tu trabajo?

Oh, es como una hoja de trucos de color, es fantástico. Hay una combinación infinita de curvas, niveles y ajustes que puedes hacer en Photoshop. Esa variedad es increíble y abrumadora. El ICP te ofrece vistas instantáneas e ilimitadas de las direcciones en las que puedes llevar tu imagen. A veces sé lo que quiero y hago clic hasta que encuentro un gran punto de partida, a veces no tengo idea y empiezo a hacer clic hasta que encuentro algo que me encanta, y otras veces creo que he terminado con una imagen solo para descubrir que agregar algunas capas ICP (con diferentes opacidades) realmente pule el producto final. ICP te ahorra horas de conjeturas en la gradación de color y me muestra combinaciones que tal vez nunca hubiera probado. Es extraordinario.

¿Cuál es su aspecto favorito del panel y cómo cree que los creativos podrían beneficiarse potencialmente al integrar el panel en su respectivo flujo de trabajo?

Es muy adaptable. Puedes elegir qué componentes quieres que ajuste. Puedes elegir un efecto de ligero a intenso. Puedes ajustar individualmente cada capa de la acción y luego aplicar más y más acciones de ICP hasta que estés satisfecho y copiar todo el flujo de trabajo en cada imagen de ese conjunto. No importa tu nivel de experiencia, es muy fácil de usar, pero aporta mucho a tu trabajo.