Decir que Curtis Jones es fotógrafo de paisajes sería como decir que a Gordon Ramsay le gusta cocinar. Curtis es una persona que (a diferencia de Ramsey) es extremadamente humilde y modesta por naturaleza. Sin embargo, cuando hables con él te darás cuenta de que tiene muchas ideas geniales sobre su oficio.
¡Esta declaración fue lo que me atrajo al trabajo de Curtis en primer lugar!
“A menudo lucho por encontrar mi lugar en el mundo de la fotografía al aire libre. Si es demasiado abstracto, se pierde el mensaje; si es demasiado literal, empieza a parecer menos personal. Supongo que es un acto de equilibrio para todos nosotros. Caminar por esa línea entre la marca o el contenido esperado y la evolución constante. La fotografía de paisajes, en particular, es una paradoja. Los paisajes (montañas, océanos, tundras árticas) en sí mismos no se "sienten", requieren la experiencia humana. Por eso, para mí siempre hay una discusión que tengo conmigo mismo: cómo se ve un lugar "literalmente" y cómo lo veo yo, con todas mis experiencias, esperanzas, miedos e intenciones. En cierto sentido, proyectamos nuestros pensamientos, emociones, miedos, esperanzas, etc. en el mundo físico que nos rodea”.
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Encontrar ese equilibrio que mencionaste anteriormente es fundamental. ¡Tus fotografías transmiten mucha emoción! ¿Qué es lo que quieres que transmita cada fotografía después de terminar de trabajar en ellas? ¿Cuánto de eso proviene del posprocesamiento y cuánto del encuadre de la escena?
Supongo que siempre intento condensar mi experiencia en una sola imagen o conjunto de imágenes. Aprecio muchísimo lo vasto que es nuestro mundo natural. Las palabras épico o asombroso pueden convertirse fácilmente en clichés, rápidos guiños al poder y la belleza del mundo que nos rodea. Quiero que mis imágenes tengan resonancia. Idealmente, me gustaría que mi trabajo transmitiera humildad y respeto por un lugar o un entorno. Una apreciación de lo que me hace sentir más vivo y humano. Sentirme insignificante pero conectado a algo más grande que yo, eso es verdaderamente liberador para mí. Gran parte de esta energía que intento transmitir proviene de pasar mucho tiempo en estos lugares. Siento que mi mejor trabajo surge de dejar que un lugar se asiente. Siempre tengo un sesgo o una visión cuando exploro nuevas escenas. Intento dejar que esa voz tenga su momento y luego soltarla. En el campo, la composición es un proceso lento y deliberado. Al igual que la composición de canciones, a menudo encuentro mi "gancho" primero. Eso que me atrae una y otra vez. Una vez que he identificado lo que me parece atractivo, me pondré a trabajar para refinar el marco, trabajando hacia el minimalismo, eliminando todo lo que no sea necesario.
Cada vez más, este proceso es solo el comienzo. Con el tiempo, mi mentalidad ha cambiado y he pasado de captar lo literal a transmitir resonancia y estado de ánimo. Siempre he sido dibujante y pintor a medias. Me encanta mejorar una escena en la posproducción. No porque sienta que mi imagen en bruto no es lo suficientemente buena, sino porque siento que es necesario replicar mi experiencia. Mi experiencia nunca es literal, ¿cómo podría serlo? El trabajo de posproducción ayuda a que mi fotografía se acerque más a cómo percibí la escena, cómo me sentí. Y esto también es una escala móvil. A veces se necesita un toque muy ligero y otras veces horas de trabajo.
¿Qué es lo que la mayoría de la gente no percibe en tu trabajo con solo mirarlo? Supongo que la mayoría de nuestros lectores toman retratos. Me pregunto si hay puntos en común entre la fotografía de paisajes y la de retratos. Si es así, ¿cuáles son?
Creo que hay puntos en común. Como mínimo, se podría decir que hay que captar la esencia del lugar frente a la de la persona.
En cierto sentido, ambos temas pueden ser fugaces. Un retrato espontáneo puede capturar perfectamente un momento o la verdadera naturaleza de una persona. Del mismo modo, un momento fugaz en la naturaleza, como la luz de la mañana reflejada en una ola de mar, por ejemplo, puede decir más sobre un lugar que una semana entera esperando a que las estrellas se alineen.
Como creadores, algo de nosotros se refleja en cada fotografía. En el momento en que decidimos retratar a una persona o un paisaje, en realidad cualquier tema, lo cambiamos.
Para ser sincero, en general no tengo idea de lo que la gente sabe sobre mi trabajo. Supongo que algo que no promociono ni incluyo con las imágenes es una historia detallada. Casi todo mi trabajo tiene un elemento de autodesprecio, insignificancia y humor. Me gusta que crear estas fotografías me permita vivir la vida en los lugares y con las personas que más me importan.
Siempre pareces estar muy presente en el momento porque intentas capturar la esencia del lugar en el que te encuentras. ¿Cuándo decides coger la cámara y sacar una foto en lugar de dejarla y apreciar el momento?
Para mí, es una escala móvil. A veces, llego a un lugar con una agenda y lo hago con fuerza durante todo el tiempo que estoy allí. Sin embargo, eso es menos común si estoy fotografiando principalmente para mí. En un escenario ideal, llegaría a un lugar un día o más antes de lo que realmente necesitaría producir y me tomaría mi tiempo para asimilar el lugar. Caminaría por ahí con solo mi teléfono, capturaría composiciones rápidas y tomaría nota de la ubicación del sol o las estrellas o un gancho interesante cuando la luz sea mejor. Estoy dibujando ideas, haciendo un seguimiento vago de las cosas para volver a visitar, pero sobre todo me limito a sentir el lugar. Hay una cierta cantidad de ansiedad y presión que acompaña a fotografiar una hermosa luz en lugares épicos. Capturar los momentos que hacen que el mundo grite de envidia mientras navega por los feeds de las redes sociales. Siempre es una batalla darle a esa ansiedad su momento, reconocerla y luego seguir adelante. A veces, esto es tan simple como disparar como un loco durante 10 minutos y luego volver a guardar la cámara en la bolsa. En otras ocasiones, dejo el equipo a propósito y camino hasta que ya no tengo miedo de perderme nada y, en cambio, estoy súper emocionada por disparar. Es una línea muy fina, pero importante.
Para mí, una señal inequívoca de que debo dejar la cámara es que tengo que luchar constantemente contra las condiciones para obtener resultados cada vez peores. Hace mucho tiempo decidí que si el único propósito del viaje era tomar una imagen impresionante, probablemente no lo disfrutaría.
¿Cómo decides a qué lugar quieres ir a continuación? ¿O es algo que decide el “cliente”? Hablando de eso, ¿la mayor parte de tu trabajo se produce para el cliente o vas por tu propia cuenta?
Siempre he sido una mezcla de lo que quiero explorar o buscar y adónde me podría pedir alguien que vaya. Pasé tanto tiempo en el Ártico, creando ese tipo de portafolio de lugares remotos y salvajes que a menudo es para lo que los clientes me contratan ahora. Me encanta volver a los mismos lugares y redescubrir cosas más profundamente o de manera diferente. Por ejemplo, cuando imparto un taller en Groenlandia o Mongolia y regreso al año siguiente, a menudo trato de sumar algún tiempo de aventura personal. Esto me permite seguir ampliando mi visión de un lugar y potencialmente tener más para ofrecer a los posibles clientes que busquen ese tipo de trabajo en el futuro. También mantengo una lista de lugares interesantes que me gustaría visitar. Si puedo presentar una idea a un cliente o conseguir financiación para una historia, acepto la ayuda financiera. Si estoy realmente motivado o el proyecto es profundamente personal o no está en una etapa comercializable, a menudo lo hago solo.
Renée Robyn y yo hemos creado una empresa de talleres de fotografía llamada Newfound Shores en mi provincia natal de Terranova y Labrador, Canadá. He pasado la mayor parte de mi vida explorando esas costas y pueblos costeros. Nuestro objetivo es ofrecer experiencias auténticas de Terranova en lugares fotográficos inspiradores. Newfound Shores es un gran ejemplo de cómo yo decido los lugares que quiero documentar y el cliente, en este caso, los participantes, decide si ese es un lugar en el que también les gustaría poner en práctica su creatividad.
Como amante de todo lo relacionado con el aire libre, también te mantienes conectado en línea para compartir ese trabajo con el público. ¿Te resulta difícil equilibrar el mundo en línea con el deseo de estar al aire libre tanto como te encanta?
El equilibrio es algo con lo que lucho cada semana. Es curioso poder compartir con tanta facilidad y al mismo tiempo resentir esa facilidad. Salir al aire libre no es difícil. Algunos viajes son grandes esfuerzos, sí, pero también vivo a diez minutos de uno de los océanos más hermosos del planeta. La batalla para mí está en la compulsión, la necesidad distraída de registrarme en línea y la competencia autoengañosa de ser siempre más grande, más visible. No creo que sea una persona demasiado activa en línea, pero a veces puede sacarme lo mejor de mí. Cuando la relación con el trabajo se vuelve tóxica, impulsada por el ego o envuelta en mi sentido de autoestima, sé que es hora de bajar el ritmo. He aprendido que si el contenido que comparto proviene de un lugar positivo para mí o ayuda a construir conexiones reales con otras personas en esos espacios, puedo disfrutarlo mucho más. Como todo, la honestidad conmigo misma y mi audiencia y la intención real hacen que el equilibrio sea más fácil de mantener.
El procesamiento y el color son una parte muy importante para transmitir esa emoción. Me sentí muy feliz cuando me dijiste cuánto disfrutaste de Infinite Color para tu trabajo. ¿En qué medida te ayuda a lograr tu visión de una manera que nada te ha ayudado en el pasado?
Durante años, he considerado la teoría del color como una fantasía en el mundo de la posproducción. Me desconcierta. No confío en mis elecciones, así que tiendo a ceñirme a lo mínimo indispensable. Quiero decir, conozco los conceptos básicos. Entiendo la rueda de colores, creo. Y entiendo los colores primarios: kétchup, mostaza y ¿qué es un condimento azul? Honestamente, siempre he jugado un poco sobre la marcha, confiando en mi instinto mientras trato de mantenerme cerca de la "realidad" en mi estilo de edición. Juego con la vitalidad y la saturación o caliento las cosas deslizando el amarillo un poco hacia la derecha. Pero siempre ha habido una parte de mí que siente que la gradación de color es una especie de tema tabú para los fotógrafos de paisajes y exteriores. Desde fuera, parecía que había más libertad para el procesamiento creativo del color en otros géneros.
La verdad es que, ya sea teoría, gradación o girar la rueda, el procesamiento del color bien hecho exige un propósito y, a veces, es difícil saber por dónde empezar. He descubierto que un buen lugar para comenzar a explorar es el trabajo de otras personas, libros de arte y películas, pero el gran cambio en mi flujo de trabajo se produjo después de que me presentaran Infinite Color. IC es intuitivo y adictivo de usar. Mi experiencia hasta ahora ha sido genial. Puedo generar rápidamente una toma bien equilibrada, a veces inesperada. Sin embargo, descubrí que la verdadera magia está en la capacidad de abrir los pasos de capa aleatorios y entrar allí para experimentar. Pude ver el impacto que tuvo cambiar estas cosas en diferentes áreas de mi foto. En su forma más simple, el panel genera nuevas opciones creativas que quizás no haya considerado antes. Un punto de partida atractivo. Cuando decides ensuciarte las manos y abrir el parasol, se convierte en una herramienta poderosa para comprender y usar el color.
No todo mi trabajo requiere una gradación de color extremadamente creativa. La mayoría se ve hermosa con una mejora mínima que complemente lo que ya estaba allí. La naturaleza tiene una forma de verse bien por sí sola. Cada imagen es diferente. Así como cada uno de nosotros tiene una visión diferente sobre cómo componemos e iluminamos una escena, tenemos una gran aptitud para elecciones de procesamiento únicas y en constante evolución. Ya sea que empuñemos esa espada con mano pesada o con un toque sutil, aspirar a dominar los conceptos básicos nos convierte en ninjas del color más hábiles.
Algunos de mis trabajos con Infinite Color podrían considerarse una edición “no tradicional”, al menos para mí. Las finales pueden no funcionar con fines de marketing o documentales, a veces estas tomas no son exactamente como las vi en persona. Pero algo en la edición me recuerda más la sensación de cómo era el lugar cuando estuve allí filmando. Siento que estas transmiten de manera más natural mi experiencia, la forma en que la recuerdo. Infinite Color me ayudó a abrir esa puerta.
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